Заслуженному художнику России, профессору Воронежского государственного института искусств, заведующему кафедрой станковой живописи Владимиру Шпаковскому 3 апреля исполнилось 75 лет. Праздничная дата стала прекрасным поводом пообщаться с художником, чьи работы давно вошли в золотой фонд отечественной живописи. Изобрести свой велосипед – Владимир Евгеньевич, что даёт изобразительное искусство зрителю? – Когда мы читаем стихи или прозу, нам откликается то, что знакомо и близко. С живописью, графикой и скульптурой – то же самое: зритель «цепляется» за свои ассоциации, вызванные произведением. Скажем, картина, где изображён деревенский натюрморт, может погрузить в самые трепетные детские воспоминания. – А что самое важное с годами приобретает художник? – Опыт созерцания пространства. Не беглое поверхностное изучение определённых событий, а философское понимание того, что, как и почему происходит вокруг. Постепенно расширяется поле восприятия. Наблюдать – это очень важно! И важна зрительная память. Потому как художник, чаще всего, не пишет с натуры. Работы создаются в мастерской, когда перед глазами уже только холст, краски и прочие профессиональные инструменты... Художника обогащает то, что он смотрит на мир широко открытыми глазами. Не надо искать в реальности какие-то плохие стороны, отрицательные. Надо видеть подвиг людей, надо видеть труд, надо видеть друзей, их семью. Импульс к творчеству дают положительные эмоции. – Как на протяжении вашей творческой деятельности менялась живопись, изобразительное искусство в целом? – Принципы, по которым рождается и живёт искусство, неизменны. Есть, разве что, попытки молодёжи cделать какой-то авангард, не зная нашей основы, нашей русской живописи; бежать, что называется, впереди паровоза. Они обращаются преимущественно к ассоциативному искусству, которое просто транслирует какие-то эмоции, чувства. Я после института почти год занимался абстрактным искусством. Пытался делать какие-то ассоциативные композиции. Но прошло время, и я понял, что это глупость. Как-то осенью посмотрел в окошко, а там – прекрасный пейзаж. И я его написал... Вот и молодёжь, получается, идёт по похожему пути - от экспериментов к профессиональной работе с традиционными формами. Хотя, конечно, путь каждого художника всё-таки индивидуален. Архитектор и дизайнер Александр Старилов, с которым мы вместе работали в художественном училище, говорил, что каждый должен изобрести свой велосипед. Увидеть добродетели – С каким чувством вы смотрите сейчас на свои ранние работы? Что испытываете? Возможно, что-то хотите подправить? – Чётко ощущаю, что та или иная работа относится к определённому периоду. Разумеется, многие вещи я бы сейчас трактовал иначе, и это обязательно повлияло бы на творчество. Но то, что было раньше, уже не догонишь, всё это ушло. Я рад тому, что за многие десятилетия работы сохранил бережное отношение к изобразительному искусству. Не вошёл ни в какой так называемый «авангард». Я по-прежнему изображаю то, что хочу и как хочу. – Опишите, пожалуйста, как преподаватель процесс становления художника. – Принципиально – увидеть добродетели человека. Для преподавателя важно ни в коем не случае не унижать молодого художника за то, что у него что-то не получается, а помогать раскрывать себя. У каждого свой творческий почерк, своя модель восприятия мира. Но она должна существовать в рамках культуры, в рамках классики. Мы это не навязываем, а, скорее, предлагаем быть более внимательными и чуткими к окружающему пространству. Постепенное совершенствование этого навыка – и есть главная часть превращения начинающего живописца в мастера. – Мужчина-художник и женщина-художник – это два разных мира? – Если кто-то из студентов поднимает тему гендерного неравенства в искусстве, то я неизменно советую держаться подальше от тех, кто транслирует подобные убеждения. Есть разные акценты с точки зрения внимания, это правда. Мужчины – в первую очередь, аналитики, они смотрят, прежде всего, на точность отображения тех или иных элементов. Женщины же, в первую очередь, замечают работу с цветом. Но говорить о разделении на «художников-мужчин» и «художников-женщин» совершенно некорректно. Так же как нет понятий «молодой художник» и «опытный художник». Если такие слова и используются, то исключительно для более понятного описания ситуации, а не в качестве характеристики. В сложных условиях – Как в современных реалиях художники зарабатывают на жизнь? – Если говорить о профессионалах, то большинство занимается педагогической работой. Кроме того, преподавание помогает держать себя в форме. Ведь обучать можно только тогда, когда сам умеешь... К слову, заказы от госструктур сегодня «добираются» до художников крайне нечасто. А это могло бы существенно помочь. Потому как быть художником – это вообще очень дорого. Подрамники, холсты, краски, разбавители, лаки, кисти – затраты, мягко говоря, ощутимые. Так что, условия сложные. А продажа работ – явление достаточно редкое. Хотя, бывает, что коллекционеры проявляют интерес. – Российские? Или не только? – У меня были покупатели из Германии и из США. Раньше, конечно. Сейчас многие мои работы находятся в техасском музее «Цитадель» и других американских галереях. Чтобы показать, насколько там ценят искусство, расскажу вот какую историю. У меня была работа, которую в советское время партийный чиновник приказал снять с областной выставки. А потом её купила туристка из Америки. За 100 долларов. Я вообще сначала хотел подарить... Потом практически случайно узнал, что картина была впоследствии перепродана за 50 тысяч долларов. И такой случай – не единственный. А у нас примерно в то же самое время к изобразительному искусству было крайне утилитарное отношение. Картины покупались для того, чтобы украсить интерьер. Причём, на качество и даже на содержание смотрели во вторую очередь: главное, чтобы рама подходила по цветовой гамме. – Вы достаточно давно преподаёте. Как изменились студенты за несколько прошедших десятилетий? – Разницы практически никакой. Обычно в группе есть два-три действительно сильных человека, а остальные – скажем так, более или менее. Что тогда, что сейчас. Во все времена учиться живописи приходят те, кто искренне ею интересуются. Единственная проблема современности – гаджеты. Они мешают. Появляется масса возможностей для плагиата. А художнику такое ни к чему. Оригинальный взгляд, авторское видение, творческая самобытность – то, что будет высоко цениться во все времена.